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Ximo Segarra y sus viñetas

Este blog lleva en su enunciado las palabras Música y Cultura y esta entrada precisamente tiene esos dos ingredientes.
Música, que significa "El arte de las Musas", las que han visitado a Ximo Segarra para hacer esta viñeta. Y Cultura. Si os digo que Ximo merece estar en todos los catálogos, en ilustraciones de cuentos, en  historias de Fantasia, en sueños, porque su trazo en el dibujo tiene duende, tiene estilo, tiene su sello.
Este regalo inesperado y precioso que hoy he recibido, dando altura a la frase que hace unos días publiqué.
LA CITA
Voy a encontrarme conmigo misma para quererme como soy. Esta tarde no me dejaré plantada.
No podéis dejar de visitar su blog y sumergiros en el mundo que ofrece con genialidad, con humor, con realismo. Su nombre artístico es Acapu, pasar a verlo en este enlace: Un planeta llamado Acapú






Esther Ovejero. Una versátil canaria es Ricca

Por si no la conoces yo te la presento y a partir de ahora recuerda a Esther Ovejero y el proyecto musical Ricca.

Una canaria dotada de una voz cálida y elegante que se mueve por el soul, R&B y jazz con la soltura y confianza que solo dan la experiencia y el conocimiento del medio en el que se trabaja.

De su album "Chaveleando" os dejo estas muestras para conocer su versatilidad:



Recordando a Gioacchino Rossini

Recordando a Gioacchino Rossini el compositor de Pesaro que hoy hace 146 años falleció.
De su última obra esta obertura de Guillermo Tell para disfrurtar.
Con su Preludio lento,
seguido de La Tormenta más dinamico,
El Ranz des Vaches, o llamada a las vacas lecheras,
y el Galop final o carga de caballería. ¡IMPRESIONANTE FINAL!

La Traviata en el Liceo de Barcelona


Barcelona celebró con un brindis a lo grande, el pasado martes dia 14 de octubre,  los 15 años de la reinauguración del Gran Teatre después del incendio de 1994, con la obra La Traviata.
Un poco de historia con este video : "Todos somos Liceu"

La obra de Verdi es atípica dentro de su producción.
A diferencia de Aida y Nabucco , destaca por el enfoque realista: la historia de la Violetta, el lecho de muerte, evocando como flashback su vida de cortesana.

Un ataque directo a la hipocresía de una sociedad que cuestionó la relación del compositor italiano con Giuseppina Strepponi.
Una exaltación de la vida y de las virtudes humanas, como la generosidad, la compasión y el sacrificio por los demás, que se ven frustradas por el juicio implacable de una sociedad clasista.

En esta adaptación de la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias , Verdi empleó elementos subversivos para la época (referencias a la sífilis y la tuberculosis) que, unidos a su enfoque moral, hicieron que la obra se recibiera muy mal durante el estreno.

Ahora, En el Liceo de Barcelona, la producción magistral de David McVicar, con su habitual puesta en escena teatral y alto voltaje dramático, permite una reelectura contemporánea.
Un melodrama grandioso, con ambientación de la época.



En el Liceo de Barcelona

del 14 al 29 d'octubre del 2014
del 8 al 18 de juliol del 2015

Gran Teatre del Liceu Ópera en tres actos. Libreto de Francesco Maria Piave basado en La dame aux camélias de Alejandro Dumas, hijo. Música de Verdi. Estrenada el 6 de marzo de 1853 en el Teatro La Fenice, y en el Liceo el 25 de octubre de 1855 Última representación en el Liceo, el 16 de enero de 2002.









La soprano italiana Patrizia Ciofi impuso su elegante línea de canto en una interpretación de Violetta Valéry llena de exquisitos matices, muy intimista y delicada, aunque algo ligera, sin la fuerza que piden las escenas de mayor calado dramático; el apuesto tenor estadounidense Charles Castronovo causó buena impresión en su debut en el teatro con una impulsiva interpretación de Alfredo, cantado con gusto y musicalidad, mientras que el barítono búlgaro Vladimir Stoyanov triunfó plenamente en el papel de Germont padre con medios rotundos y temperamento verdiano.

Gauchos 4

Del pasado hay pasajes que nunca se olvidan.

He sabido que en Linares, hace un par de años, este grupo querido por mi, de mis años jóvenes, Los Gauchos 4, dio un concierto en homenaje a Cabral.
Ellos ahora son tres, porque uno falleció y no quisieron cambiar de nombre.

Por los años 70, era asidua en Barcelona, a los pubs donde actuaban, en La gavia de vidre de Mariano Cubí, o en calle Aribau.
Me gustaba mucho la sonoridad de su música y el sello de su interpretación en canciones de iberoamerica ya conocidas.

Una de las canciones que más me gustan es esta versión de "Cancion del adios"



 *** Concierto citado en Linares

Pablo Alboran 2

Una locura escuchar a Pablo este sábado mientras...
Aquí tienes su música, dale al play y déjate llevar.



¿Quién se resiste a estas palabras?

TODA LA NOCHE

"Como en un cuento infantil
La he llevado en mis sueños.
Anoche la volví a sentir
Y se cumplió mi deseo…

Se deshizo por mi piel
Alivió toda mi sed
Pero se volvió a marchar
Sin saber por qué.

He pensado en ella toda la noche
Pero en cada poro de su piel
He dejado bien escrito mi nombre
Para que mañana se acuerde bien.

He pensado en ella toda la noche
Pero en cada poro de su piel
He dejado bien escrito mi nombre
Para que mañana se acuerde bien.

Puede que no vuelva más
Pero ya es parte de mí.
Esa noche fui feliz
Mi corazón volvió a latir....

Y felicitar al muchacho que hoy cumple veinticinco años

Puedes verlo en esta otra entrada de este blog: Solamente tú


Oscar Carreras. Cantautor y micropoeta


Oscar carreras Cantautor y micropoeta
Fuente de su propia web:

Nacido en Granollers el 12 de enero de 1976
Aprende de su padre los primeros acordes y a los 13 años compone y graba su primera canción “Hermana” en un 4 pistas.
Desde entonces compone, graba y participa en distintos proyectos musicales como cantante, guitarrista, bajista y baterista.

Después de una época oscura e improductiva apartado del entorno musical, ahora vuelve para presentar su disco “Carreras de Medias: historias tristes, desventuras e infortunios” en el que pretende plasmar las experiencias vividas durante los últimos años.

Sus letras denotan un sentimiento de nostalgia hacia el amor, a la vez que de resentimiento.
Entiende el amor como algo cuya belleza es letal, como a Narciso la fuente.
Cree que Cupido es un tirano, como queda patente en su tema “Cupido”. Teme a la vez que ansía el amor.
El autor tiene en gran estima a su soledad y constantemente refleja esta contradicción amor-soledad en sus letras. Asocia el amor a la muerte/carcel/rutina de la persona y la soledad a la libertad.

De las 10 canciones que componen su disco destaca “Ambar”, que encabeza el disco con una letra ambigua y sugerente.
“No quiero” es la segunda canción del disco y es quizá la que llega a más gente por su base melódica.
“Frigia”, la frigia Cibeles, relata con detalle una experiencia real que el autor vivió junto a una mito-maníaca.
“Venus”, de suave melodía y sobre un mar de acordes, le hace un guiño a la bossanova.
“No sale el sol”, “Verano” o “Cupido” subrayan de nuevo, pero desde otros escenarios y perspectivas esta idea-bucle común y reiterativa durante el disco.
En especial destaca la corta pero contundente letra de “Cupido”, que resume de forma muy gráfica esta idea.

Sólo tres de las diez canciones se desmarcan vagamente:

“Sociorutina”, que habla sobre la tristeza del un mundo hecho calendario.
“4 Estaciones”, que enmarca el paso del tiempo.
“Relicarios”, que resume un momento de euforia que tiene el autor durante su depresión. Entre la fluoxetina y el clonacepam encuentra un momento de alivio y descubre que quizá exista un futuro que abandone el blanco y negro para dar paso al color. Este tema destaca por su complejidad estructural. Una canción repleta de acordes y cambios imposibles que te llevan de la oscuridad a la luz en tres escasos minutos. Esta canción aparece repetido en el disco como Relicarios v1 y Relicarios v2 (tema 7 y 11 respectivamente). Quizá Relicarios v2 sea una versión más completa que la v1.

Para la grabación de este disco ha tenido el placer de caminar junto al guitarrista Salva Blanco, el percusionista Enric López, el contrabajista Dick Them y la cantante Ruth García.

Ha sido un lujo haber podido colaborar con reconocidos músicos de ámbito nacional e internacional como Juan Aguiar (habitual colaborador de Serrat, Sabina, Marina Rossell, entre otros), Jordi Pegenaute (músico, compositor, productor y arreglista, también colaborador de Loquillo, Carlos Segarra de Los Rebeldes y otros artistas del ámbito nacional), David Salvador (ha sido bajista de La Orquesta Mondragón, Eddie Floyd, Donovan, Jimmy Burns o Neville Staple de The Specials… entre otros y habitual de los Conciertos de Radio 3), Dick Them ( Bajista y contrabajista de reputado talento) y Jordi Riera (un baterista que bajo su pecho esconde un corazón en forma de metrónomo que ha compartido escenario codo a codo con exelentes músicos de la escena internacional).

Un proyecto cuya puesta en escena combina la micropoesía y la canción cuidando los detalles estéticos del atrezzo escenográfico y creando un ambiente cálido y acogedor.

CD :
Carreras de Medias
Historias tristes, desventuras e infortunios



Stefano Mocini


Esttrella Moriente y LLuis LLach

Quizás me Dejen las palabras,
Quizás me deje vosotros,
Mientras todo esto lega VIDA, VIDA, VIDA.

Potser em deixin les paraules
o potser em deixeu vosaltres
o només els anys em posin
a mercè d'alguna onada,
a mercè d'alguna onada.

Mentre tot això m'arriba,
que a la força ha d'arribar-me,
potser tingui temps encara
de robar-li a la vida
i així omplir el meu bagatge.

Mentre tot això m'arriba... vida, vida!

Encara veig a vegades,
de vegades veig encara
els meus ulls d'infant que busquen,
més enllà del glaç del vidre,
un color a la tramuntana.

M'han dit les veus assenyades
que era inútil cansar-me;
però a mi un somni mai no em cansa,
i malgrat las mevas canas
sóc infant en la mirada.

A vegades veig encara... vida, vida!

Si em faig vell en les paraules,
si em faig vell en les paraules
per favor tanqueu la porta
i fugiu de l'enyorança
d'una veu que ja s'apaga.

Que a mi no m'ha de fer pena,
que a mi no em farà cap pena
i aniré de branca en branca
per sentir allò que canten
nous ocells al meu paisatge.

Que a mi no em farà cap pena... és vida, vida!

Si la mort ve a buscar-me,
si la mort ve a buscar-me
té permís per entrar a casa,
però que sàpiga des d'ara
que mai no podré estimar-la.

I si amb ella he d'anar-me'n,
i si amb ella he d'anar-me'n,
tot allò que de mi quedi,
siguin cucs o sigui cendra
o un acord del meu viatge,

vull que cantin aquest signe... vida, vida!

Potser em deixin les paraules
o potser em deixeu vosaltres
o només els anys em posin
a mercè d'alguna onada,
a mercè d'alguna onada.

Mentre tot això m'arriba... vida, vida!
Mentre tot això m'arriba... vida, vida!

Quizá me dejen palabras
o quizás me dejéis vosotros
o solo los años me pongan
a merced de alguna ola,
a merced de alguna ola.

Mientras todo esto me llega
que a la fuerza ha de llegarme,
quizás tenga tiempo aún
de robarle a la vida
y así llenar mi bagaje.

Mientras todo esto me a arriba ... vida, vida!

Aún veo a veces,
a veces veo aún
mis ojos de niñoque busquen,
más allá del hielo del cristal,
un color a  tramontana.

Me han dicho los voces sensatas
que era inútil cansarme;
pero en mi un sueño nunca me cansa,
y a pesar de mis canas
soy un niño en la mirada.

A veces veo aún... vida, vida!

Si envejezco en las palabras,
si envejezco en las palabras ,
por favor cerrad la puerta
y huid de la añoranza
de una voz que se apaga.

Que a mi no m ha de dar pena,
que a mi no me dará pena
y andaré de rama en rama
para escuchar lo que canten
nuevos pájaros en mi paisaje.

Que a mi no me dará pena ... es vida, vida!

Si la muerte ve a buscar-me,
si la muerte ve a buscar-me
tiene permiso para entrar en casa,
pero que sepa desde ahora
que nunca podré amarla.

Y si con ella he de irme
y si con ella he de irme
todo lo que de mi quede,
sean gusanos o sea cenizaceniza
o un acorde de mi viaje,
quiero que canten

Quiero que canten este signo ... vida, vida!

Quizá me dejen palabras
o tal vez me dejéis vosotros
o solo los años me pongan
 a merced de alguna ola,
a merced de alguna ola.

Mientras todo esto me a arriba ... vida, vida!
Mientras todo esto me a arriba ... vida , vida!






India Martinez

Cuando Cordoba la sultana, crea, desde el barrio de la Palmeras, ella canta, siente, gusta, regala ...

Gabriel Garcia Marquez ha fallecido


"Era todavía demasiado joven para saber que la memoria del corazón eliminina los malos recuerdos y magnifica los buenos, y que gracias a ese artificio logramos sobrellevar el pasado" Del amor en tiempos del cólera.

Junior. In memoriam

En recuerdo de Junior, componente del mítico grupo LOS BRINCOS Recuerda su música y disfruta de su historia. En esta entrada


Boig per tu. Shakira


M'agrada molt aquesta cançó de Pep Sala de Sau en la teva veu Shakira. Endavant. Canta ben alt y amb el teu gemec de veu.
Si insultan que insultin, cal fer oïdes sords a las paraules buides.
Quan res passa sensa correspondre rigorosament a la lògica, me rempamplimfa el què diran.

BOIG PER TU

A la terra humida escric
saps que estic boig per tu,
em passo els dies
esperant la nit.

Com et puc estimar
si de mi estás tan lluny;
servil i acabat
boig per a tu.

Sé molt bé que des d'aquest bar
jo no puc arribar on ets tu,
peró dins la meva copa veig
reflexada la teva llum, me la beuré;
servil i acabat, boig per tu.

Quan no hi siguis al matí,
les llàgrimes es perdran
entre la pluja
que caurà avui.

Em quedaré atrapat
ebri d'aquesta llum
servil i acabat
boig per tu.

Sé molt bé que des d'aquest bar
jo no puc arribar on ets tu,
però dins la meva copa veig
reflexada la teva llum, me la beuré;
servil i acabat boig per tu.
servil i acabat boig per tu.

Sé molt bé que des d'aquest bar
jo no puc arribar on ets tu,
peró dins la meva copa veig
reflexada la teva llum, me la beuré;
servil i acabat boig per tu.
servil i acabat boig per tu.

Réquiem de Brahms


Con este Réquiem de Brahms, obra de gran belleza, os deseo un buen día. El sábado en el Auditorio de Barcelona se escucharon sus notas a cargo de la OBC (L'Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya).
Espero que quedéis cautivados por la emoción que la intensidad musical que trasmite. Una meditación sobre la vida y la muerte.



Hospital Sant Pau. Recinto modernista


Tengo recuerdos del Hospital de Sant Pau de Barcelona, relacionados todos con la salud. Intervenciones, visitas, controles, fallecimientos etc... Ayer lo visité después de un tiempo de permanecer en obras de restauración y comparto mis fotos de esta  joya del modernismo.

Después de acoger durante un siglo las instalaciones del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo, a raíz del traslado de la actividad sanitaria al nuevo hospital, un ambicioso proceso de rehabilitación ha permitido recuperar el valor patrimonial y artístico del Recinto Modernista de Sant Pau, obra del arquitecto Lluís Domènech i Montaner.

Gracias a esta transformación, el Recinto Modernista ha convertido en un nuevo espacio de referencia de la ciudad de Barcelona en el que conviven la historia y la innovación.
San Pablo acoge un centro de conocimiento formado por instituciones líderes en los ámbitos de la sostenibilidad, la salud y la educación, entre otros. Estas organizaciones desarrollan en el Recinto Modernista sus propios programas y proyectos, y también emprenden iniciativas conjuntas con el objetivo de aportar respuestas a los retos de la sociedad del siglo XXI.

La restauración de los pabellones modernistas, declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO en 1997, también ha permitido el desarrollo de un programa cultural que tiene como objetivo principal la puesta en valor de este tesoro del modernismo europeo. La figura de Lluís Domènech i Montaner y su aportación al movimiento modernista, así como el valor patrimonial e institucional de San Pablo y su aportación a la medicina son las piezas clave.

Además, la recuperación del conjunto modernista ha convertido parte del Pabellón de la Administración en un centro de reuniones y eventos. Con una capacidad para más de 600 personas, los espacios de la Administración son un emplazamiento emblemático y único para celebrar reuniones corporativas, cursos, congresos, presentaciones, etc.

El Pabellón de la Administración también acoge el Archivo Histórico del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo , uno de los fondos documentales hospitalarios más importantes que se conservan en la actualidad, el cual abarca obras y documentos históricos desde el siglo XV al XX.

El Recinto Modernista de Sant Pau es propiedad de la Fundación Privada Hospital de la Santa Cruz y San Pablo , formada por el Cabildo Catedralicio, el Ayuntamiento de Barcelona y la Generalitat de Cataluña. El órgano de gobierno de la institución, creada en 1401, es la Muy Ilustre Administración .


El Hospital de la Santa Cruz y San Pablo nace en 1401 de la fusión de los seis hospitales que había en ese momento en Barcelona. El Hospital de la Santa Cruz, como se le llamaba en esta primera época, se ubicó en pleno centro de la ciudad, en el actual barrio del Raval, en uno de los edificios más importantes del gótico civil catalán.
A finales del siglo XIX, el crecimiento demográfico de Barcelona y los avances de la medicina hicieron que el Hospital quedara pequeño. Por ello se planteó la construcción de un nuevo edificio. Gracias al legado del banquero Pau Gil, el 15 de enero de 1902 se colocaba la primera piedra del nuevo centro hospitalario, diseñado por Lluís Domènech i Montaner. La inauguración de las nuevas instalaciones no llegaría hasta el año 1930.
Después de más de ocho décadas de actividad sanitaria al Recinto Modernista, el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo se trasladó en 2009 a unas nuevas instalaciones construidas en el extremo noreste del conjunto arquitectónico. Comenzaba así una nueva etapa para los pabellones históricos de Montaner.







El hospital medieval

A principios del siglo XV, la ciudad de Barcelona contaba con seis pequeños hospitales: el Hospital Desvilar o de la Almoina, el Hospital de Marcús, el Hospital de Colón, el Hospital Vilar o de San Matías, el Hospital de Santa Eulalia y el Hospital de Santa Margarita. Estas instituciones habían sido creadas por órdenes religiosas o particulares, y pese a que dependían del Consejo de Ciento o del Capítulo de la Catedral, casi todos sus ingresos provenían de la caridad de la ciudadanía.

A principios de 1401, las dificultades económicas de buena parte de estos centros llevaron al Consejo de Ciento y el Capítulo Catedralicio acordar la construcción de un nuevo y único hospital resultante de la unión de estos seis centros sanitarios. Así se pretendía mejorar la administración y gestión de las rentas. La medida fue ratificada el 5 de septiembre de ese mismo año por medio de la bula del papa Benedicto XIII, quien autorizó la constitución del Hospital de la Santa Cruz.

El nuevo centro, uno de los más antiguos de Europa y del mundo, fue ideado como un edificio de grandes dimensiones, con cuatro alas de estructura rectangular, dos plantas de altura y dispuestas alrededor de un patio, siguiendo el modelo de los claustros eclesiásticos. El rey Martín el Humano presenció la colocación de la primera piedra del edificio, el 13 de febrero de 1401. Las obras terminarían en 1450. Posteriormente, en el siglo XVIII, el edificio se amplió, y durante el siglo XIX y principios del XX hacerse intervenciones menores.



El Hospital de la Santa Cruz estuvo dirigido desde su fundación por la Muy Ilustre Administración (MIA), un órgano en el que tenían representación dos canónigos y dos ciudadanos seglares elegidos, respectivamente, por el Capítulo Catedralicio y el Consejo de Cien. Los ingresos de la institución continuaron dependiendo de limosnas, donativos y legados de particulares. Por eso dos personas, un eclesiástico y un laico, se encargaban directamente del control de las rentas.

Con el paso de los años, el Hospital incorporó a sus fuentes de financiación diversos privilegios concedidos por reyes y papas, entre los que cabe destacar, a modo de ejemplos, el privilegio de heredar los bienes de las personas que morían sin testamento o descendencia legítima (1418) y el privilegio de las comedias (1587), por el que Felipe II otorgó al Hospital el derecho exclusivo de las representaciones teatrales en Barcelona.

El Hospital de la Santa Cruz fue durante más de cinco siglos el gran hospital de la ciudad de Barcelona y su provincia. La actividad de caridad del Hospital iba más allá del cuidado de los enfermos, ya que hasta finales del siglo XIX también desarrollaba una importante labor de acogida y formación de los niños huérfanos.

La contribución a la evolución de la medicina fue capital. La actividad sanitaria del Hospital de la Santa Cruz propició la creación del Real Colegio de Cirugía, semilla de la futura Facultad de Medicina. De hecho, a partir del siglo XIX el Hospital se convierte en el centro de una importante actividad docente y científica que lo convirtió en un centro hospitalario de primer orden, situándose al mismo nivel de los grandes hospitales europeos que se comenzaban a construir en entonces todo el continente.

En esa época, sin embargo, el edificio gótico del Raval empieza a manifestar síntomas de fatiga. Después de cinco siglos de actividad ininterrumpida, el Hospital de la Santa Cruz ya no podía responder al crecimiento de la ciudad de Barcelona y los constantes avances de la medicina. La construcción de un nuevo hospital se hacía del todo necesaria.







El hospital modernista

Los últimos años de actividad del Hospital de la Santa Cruz coinciden con el advenimiento de la gran transformación urbanística de Barcelona: el desarrollo del Plan Cerdà y la construcción del Ensanche.

Es en este contexto de expansión más allá de las murallas cuando muere, 1896, Pablo Gil y Serra, un banquero catalán residente en París. Gil establece en su testamento que su legado se destinará a la construcción de un nuevo hospital en Barcelona. Entre las indicaciones que establecía, Gil pedía que el nuevo centro debía reunir las más avanzadas innovaciones desde un punto de vista tecnológico, arquitectónico y médico, y que debía ser erigido bajo la advocación de San Pablo. Así surgió el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo.

El acuerdo de la Junta del Hospital de la Santa Cruz y los albaceas de Pau Gil hicieron posible la construcción de este nuevo hospital en unos terrenos de la Santa Cruz situados a medio camino entre Gracia, Horta, Guinardó y Sant Martí de Provençals.

Para la construcción del nuevo hospital se convocó un concurso al que se presentaron tres propuestas diferentes. Ninguna de ellas, sin embargo, fue escogida. El proyecto fue encargado, finalmente, a Lluís Domènech i Montaner (1850-1923), gran figura del Modernismo catalán.

El genial arquitecto se inspiró en los hospitales más modernos de Europa a la hora de concebir el encargo. Partiendo de las ideas higienistas, diseñó un hospital organizado en diferentes pabellones aislados, rodeados de jardines y conectados entre sí por una trama de túneles subterráneos. Aunque Domènech dibujó un proyecto formado por 48 edificios, finalmente sólo se construyeron 27.

En líneas generales, Domenech crea una planta alrededor de dos ejes, uno vertical y otro horizontal, que conforman una cruz patada, emblema del antiguo Hospital de la Santa Cruz, a través de la cual se resumen y simbolizan la historia hospitalaria de Barcelona y los valores alegóricos de la Edad Media.

En 1902 comenzaron a construirse los primeros doce edificios del conjunto siguiendo una trama urbanística diferente a la del Ensanche. Cada edificio estaba destinado a una especialidad diferente. La iluminación, la buena ventilación y la decoración de las estancias hicieron del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo un espacio único en el mundo, un nuevo modelo hospitalario que introducía la importancia del espacio abierto y el soleamiento en el tratamiento de los pacientes.
Después de la muerte del arquitecto, su hijo, Pere Domènech i Roura, se encargó de la ejecución de los trabajos en su etapa final. El rey Alfonso XIII inauguró el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo 1930.

Con los años, además de ser el hospital de referencia para la ciudadanía, Sant Pau ha convertido en un referente destacado del patrimonio y la cultura de Barcelona y Cataluña. En 1978 fue declarado Monumento Histórico Artístico y en 1997 Patrimonio Mundial por la UNESCO.

El incremento de la demanda sanitaria y el deterioro estructural de los edificios evidenciaron que el conjunto modernista no reunía las condiciones necesarias para mantener la calidad asistencial. Es entonces cuando comienza a plantearse la necesidad de construir un nuevo hospital, moderno y adecuado para la práctica médica contemporánea. Los edificios de Montaner habían llegado al final de su vida útil.
El otoño de 2009, la actividad sanitaria se trasladó a un moderno edificio situado en la fachada noreste del conjunto. Así, el Recinto Modernista comenzaba una nueva etapa. Una rigurosa rehabilitación ha permitido poner en valor la obra de Domènech i Montaner, y hacer de San Pablo un centro de conocimiento de relevancia internacional y un nuevo referente cultural.


















Rehabilitación

El proceso de rehabilitación del Recinto Modernista de Sant Pau comenzó en el otoño de 2009, cuando la actividad sanitaria se trasladó al nuevo edificio del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo.

Después de 8 décadas de actividad asistencial, los edificios modernistas habían experimentado numerosas modificaciones arquitectónicas que habían afectado tanto a la estructura constructiva como a sus elementos ornamentales. Ante esta situación, en 2006 la Fundación Privada Hospital de la Santa Cruz y San Pablo encargó la redacción de un Plan Director para evaluar el estado de los pabellones y establecer una hoja de ruta para su rehabilitación. La conclusión del documento apuntaba que el conjunto arquitectónico se encontraba en una situación crítica.

Antes del inicio de los trabajos se creó la Mesa de Patrimonio. Este órgano, integrado por representantes de la gestión patrimonial de todas las instituciones que participan en el proyecto, asegura la necesaria coordinación institucional, define los criterios de intervención, asesora sobre la calidad de las intervenciones y su contratación y realiza informes para la Comisión Territorial del Patrimonio Cultural, entre otras actuaciones.

La primera fase de actuación del proceso de rehabilitación incluye un área de trabajo de 29.517 m2 construidos, 31.052 m2 de espacio exterior, 12 pabellones y 1 kilómetro de galerías subterráneas. El presupuesto total del proyecto es de 100 M €, financiados por fondos FEDER, la Generalidad de Cataluña, el Gobierno de España, el Instituto para la Diversificación y el Ahorro de la Energía (IDAE), el Ayuntamiento de Barcelona, ​​la Diputación de Barcelona, ​​el Banco de Desarrollo del Consejo de Europa (CEB) y la Fundación Privada Hospital de la Santa Cruz y San Pablo.

Todos los procesos de contratación están regidos por la Ley de Contratos Públicos.









El Recinto Modernista de Sant Pau recupera su valor patrimonial y arquitectónico para alcanzar dos objetivos fundamentales: dotar a los antiguos pabellones de nuevos usos vinculados a la atracción de organismos internacionales y hacer posible la apertura del conjunto en la ciudad con una propuesta turística de calidad.

El Programa de Mecenazgo del Recinto Modernista se dirige a todas las personas, instituciones y empresas que deseen participar activamente en el proyecto, así como vincularse con su misión y valores.

La participación de mecenas y promotores ha sido constante en iniciativas que han implicado una proyección de Barcelona y Cataluña en el mundo. Las grandes obras del modernismo catalán o la propia construcción del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo, entre muchos otros proyectos relevantes para la historia de Cataluña, son una buena muestra.
Ahora, el Recinto Modernista de Sant Pau necesita la implicación del mundo académico, cultural y de la sociedad en general para impulsar esta iniciativa de dimensión global.

Para una entidad privada, asociar su imagen en el Recinto Modernista de Sant Pau y el centro de conocimiento que están conformando diversas instituciones internacionales puede aportar múltiples ventajas a nivel corporativo:

Aporta valor añadido y fortalece la imagen de la compañía más allá de su entorno habitual.
Permite el posicionamiento de la empresa respecto a determinadas demandas sociales, obteniendo notoriedad e imagen pública, creando sinergias con otras acciones de comunicación.
Hace posible la implicación de la empresa en un proyecto que tiene como objetivo primordial la mejora de la calidad de vida de los ciudadanos, y consigue implicación directa en los cambios sociales, potenciando el altruismo y la solidaridad de la sociedad.
Abre la puerta a la participación en los valores del proyecto y permite reforzar los valores vinculados a la Responsabilidad Social Corporativa (RSC)
Permite formar parte de un proyecto que fortalecerá la imagen y proyección de la ciudad de Barcelona, ​​Cataluña y España ante el mundo.
Favorece la presencia y visibilidad de las empresas en los espacios, actividades y / o materiales de comunicación que genere el proyecto de acuerdo con los niveles de contribución
Más información: recintemodernista@santpau.cat




San Pablo, el conjunto modernista más grande del mundo, es un espacio para descubrir. El programa de visitas permite conocer de cerca la obra más importante de Lluís Domènech i Montaner y el resultado de uno de los procesos de rehabilitación más destacados de los últimos años.

En el Recinto Modernista, la unión de historia y arquitectura traslada al visitante a principios del siglo XX, en los años en que Barcelona experimentaba su mayor desarrollo urbanístico. Durante la visita se hace un recorrido por la evolución de una de las instituciones sanitarias más antiguas de Europa. También se explica cómo fue diseñado y construido el Recinto Modernista y qué uso tiene actualmente como centro de conocimiento de renombre internacional.
La visita comienza en el espacio expositivo del Pabellón de la Administración. Un vídeo, una mesa interactiva y otros elementos introducen al visitante en la importancia patrimonial y artística del conjunto monumental, la evolución histórica de la institución y su aportación a la medicina.

A través de la red de túneles subterráneos que conectan los diferentes edificios se accede a los jardines. Desde aquí, se puede disfrutar de la belleza exterior de todas las edificaciones. Cúpulas, cubiertas, fachadas, esculturas y vitrales son los elementos más destacados.

Paseando por este magnífico entorno accede al Pabellón de San Rafael, donde se puede contemplar su interior tal y como se concibió a principios del siglo XX. También se puede acceder al vestíbulo del Pabellón de la Administración y visitar el Pabellón de Sant Jordi, un espacio rehabilitado que acoge exposiciones temporales.



Visita guiada

La mejor manera de conocer en primera persona los secretos que esconde el Recinto Modernista de Sant Pau es hacer una visita guiada. Aparte de recorrer el itinerario de la visita libre, esta modalidad permite visitar a fondo el Pabellón de la Administración, el edificio de mayor valor artístico de todo el conjunto, accediendo al vestíbulo principal y en las salas de más emblemáticas del pabellón, desde las que se disfruta de unas vistas privilegiadas de uno de los ejes modernistas más relevantes de la ciudad. La visita termina en el Pabellón de Sant Jordi con la exposición temporal que se exhibe.
Las visitas guiadas se realizan en catalán, castellano, inglés y francés, y también en otros idiomas previa solicitud.
El programa de visitas del Recinto Modernista de Sant Pau forma parte de la Ruta del Modernismo de Barcelona.

.- Fotos de Anna Jorba Ricart
.- Fuente Web 
.- Ceramicas de Hospital de Sant Pau
.- Modernismo catalan

Paco de Lucia. In memoriam


Zenet


Jimi Hendrix

La originalidad de Hendrix se situada en su relación con el instrumento; él es, sin duda, el guitarrista más innovador de su época y probablemente de toda la historia del rock. Antes de la aparición de Hendrix, la guitarra sólo era un objeto capaz de producir sonidos, un simple intermediario entre intención y resultado, pero con él empezó el verdadero reinado de este instrumento, que se transformaría en algo autónomo y libre, como una especie de animal salvaje que expresaba a su manera una sensibilidad trasmitida por el instrumentista, en íntima comunión. Esta actitud ya tenía precedentes en la manera de tocar de los bluesmen negros de Chicago, el de guitarristas como Jeff Beck, Jimmy Page y Eric Clapton, aunque Hendrix lo convertiría en un principio, imponiendo esta esencial relación con el instrumento en el ámbito del rock.

Resulta esencial no perder de vista el hecho de que la música de Hendrix era esencialmente experimental. Los efectos de distorsión (sonido saturado y ronco), de ”phasing” (vibrato en bucle), el pedal “wah-wah” (alternancia de graves y agudos que produce un efecto o de palabra), el control del “ larsen” (silbido en crescendo), son técnicas que si bien no fueron inventadas por Hendrix, nadie las que había llegado al límite como él obteniendo semejantes resultados.

 La forma en que hacía aullar a la guitarra era algo más que un símbolo de cólera y rabia.

Aunque en años posteriores muchos intentaron imitarlo, ninguno pudo superar, ni igualar, la increíble calidad del modelo.
Todo ello resulta asombroso si se tiene en cuenta que Jimi no contó nunca con los sofisticados instrumentos que utilizan hoy en día la mayoría de las bandas de rock, y que tenía que suplir dichos inconvenientes subiendo el volumen y jugando con los pedales.
Como la mayor parte de los guitarristas de bluees, no tenía educación musical, y su técnica era el resultado de un enorme cúmulo de influencias y de horas dedicadas a encontrar un método propicio con que suplir sus deficiencias teóricas.

Inicios en el rhythm and blues

Una vez en Inglaterra se trataba de montar un grupo que arropase al magnífico guitarrista, y se optó por una formación que diese relieve a la guitarra solista; para ello nada mejor que un batería y un bajo. Noel Redding, el bajo del nuevo grupo, no era ninguna celebridad pero se acoplaba perfectamente a la forma de tocar que diseñaba Hendrix.
Mitch Mitchell, tampoco era ninguna figura, pero sí un excelente batería, lleno de energía y con influencias estilísticas de Elvin Jones. Los tres formarían The jimi Hendrix Experience. 

*** en 1968 
*** En Estocolmo en el 1969

Tras ensayar durante tres días, la banda debutó en Evreux, Francia, el 13 de octubre de 196. Después el trío regresaría a Inglaterra para efectuar pruebas ulteriores y una serie de conciertos en pequeños clubes, en los que el público respondería con entusiasmo.
Los primeros conciertos de esta formación eran gigantescos, originales, explosivos y sorprendentes y a ellos acudían grandes personajes de la música británica, como Eric Clapton, Pete Townshend, John Lennon y Paul Mccartney, el resultado impresionante ver a Hendrix poniéndose la guitarra la espalda, entre las piernas, utilizando los dientes, citando la con los amplificadores, contra el pie del micrófono y quemándola en ocasiones, o bien destrozandola a golpes.

Su primer sencillo, *** Hey Joe, resultó una canción extraordinaria, casi tradicional en su estructura, pero rica en sonidos y de ritmo pesado e incisivo al mismo tiempo, que llegó al número 4 de las listas inglesas. En realidad se trataba de una pieza que ya había sido un éxito en Estados Unidos, en versión country e interpretada por The Leaves. La cara B era una composición propia,  *** Stone free.

Polydor fue quien publicaría el disco en diciembre de 1966.

El segundo sencillo, Purple haze,  ***Purple Haze (Music Video)  saldría a la calle con el sello Track Records, en marzo de 1967, ***En 1967  rompiendo con el estilo más comercial por así decirlo, del anterior e inscribiéndose en la corriente psicodélica muy en boga aquel año, aunque sería el carácter radicalmente nuevo de los sonidos del disco lo que atraería la atención del público y le llevaría también hasta que número 4 de las listas.

El tercer single, *** The wind cries Mary, también entraría en las listas, mientras Purple Hace todavía escalaba posiciones.

Regreso a Estados Unidos

El primer larga duración del trío, *** Are you experienced?  Apareció en 1967, en la misma época que el Sgt. Peper, bajo la producción de Chas Chandler.

Se trataba de un trabajo de gran calidad e innovador que lanzó de nuevo al grupo a las listas de éxitos de Inglaterra, aunque The Jimi Hendrix Experience continuaba siendo poco conocido en Estados Unidos.
Su presentación estadounidense sería apoteósica: el festival pop de Monterrey de 1967, en plena eclosión del " Flower Power", un verano en que todos los caminos conducían al la experimentación psicodélica.
Jimi Hendrix realizó una exhibición que le consagraría como gran figura del rock. *** Monterrey de 1967.

 Seguidamente se embarcó en una gira norteamericana que suscitó fervor y protestas a partes iguales, algo que todavía le consagraría más. En la gira compartía cartel con The Monkees, algo incomprensible si se piensa en la disparidad de públicos y música de ambos grupos.
La cosa no podía durar y el quinto día Hendrix abandonaba el escenario.
Los promotores organizaron otra sólo para The Jimi Hendrix Experience, que realizaría actuaciones inolvidables en el Central Park de Nueva York, en el Whisky a go-go, en el Hollywood Bolw y en el Filmore west, ahora ante un público más entregado, antes de regresar a Inglaterra, el 25 de agosto.

Al igual que Cream, el grupo rival y amigo, The Jimi Hendrix Experience se habían convertido en abanderado de la revolución psicodélica, encarnando la perfecta imagen freak, con sus trajes multicolores, los collares y brazaletes y su lenguaje cargado de matices hippies.

El segundo álbum del grupo  *** Bold as love, que salió en noviembre de 1967, y en el podían apreciarse los rasgos más delicados de su inspiración, confluyendo una serie de inspiración es que todavía no se habían mostrado de forma intensa en su primer larga duración. Se trataba del trabajo de un grupo en la cumbre de su carrera y las canciones de Hendrix estaban cargadas de nuevos significados, enmarcados en un nuevo universo lleno de lejanas galaxias por las que deambular,

como se percibía en *** Up from the skies en *** Spanish castle magic, convirtiéndose, al igual que la portada, en viajes alucinantes a través de una psicodelia caleidoscópica. El éxito del disco lanzó al trío a una gira norteamericana que preveía 47 conciertos en 54 días, a lo largo del invierno 1967-68, que les deparó no pocas protestas por parte de la crítica británica, que les acusó de abandono de su público.

Electric ladyland fue el título del álbum doble aparecido en 1968, que contaba con la colaboración de excelentes instrumentistas como Steve Winwood, Jack Cassidy, Al Kooper y Buddy Mies. Tras el lanzamiento saltó la polémica a causa de la portada y se puso en causa el trabajo experimental que Hendrix había llevado a cabo.

Los dos álbumes anteriores habían sido muy bien acogidos, pero éste último, mucho más complejo y avanzado, fue considerado como un fracaso por una parte del público, por lo que el grupo se disolvió oficial mente en noviembre de 1968.
Mitch Michel aparecería una vez más junto a Hendrix en el festival de Woodstok, donde esté realizaría su salvaje ejecución del y no americano. Tras el festival vendría el ocaso, a pesar de la aparición de Band of Gypsies, un álbum de 1970 grabado por la nueva formación de Hendrix.
The band of Gypsies moría el 18 de setiembre de 1970, ahogado por su propio vómito, víctima de una accidental sobredosis de barbitúricos.


Bruckner

Ante la música sobran las palabras y más si escuchas esta 
Anton Bruckner (1824-1896)
Symphony No.4 in E flat major, WAB104 "Die Romantische"
Daniel Barenboim
Wiener Philharmoniker
Royal Albert Hall, London, 3 9/2007

FELIZ DOMINGO

Antonio Machado. 75 aniversario de su muerte

he abierto muchas veredas;
he navegado en cien mares
y atracado en cien riberas.

En todas partes he visto
caravanas de tristeza,
soberbios y melancólicos
borrachos de sombra negra.

Y pedantones al paño
que miran, callan y piensan
que saben, porque no beben
el vino de las tabernas.

Mala gente que camina
y va apestando la tierra.

Y en todas partes he visto
gentes que danzan o juegan,
cuando pueden, y laboran
sus cuatro palmos de tierra.

Nunca, si llegan a un sitio
preguntan a donde llegan.
Cuando caminan, cabalgan
a lomos de mula vieja.

Y no conocen la prisa
ni aún en los días de fiesta.
Donde hay vino, beben vino,
donde no hay vino, agua fresca.

Son buenas gentes que viven,
laboran, pasan y sueñan,
y en un día como tantos,
descansan bajo la tierra.



Madredeus

El procedimiento más seguro de hacernos más agradable la vida es hacerla agradable a los demás.
Se le atribuye a Albert Guinon.

Con ese deseo os dejo esta hora completa de música para llenar el espíritu de paz.

El estilo de Nueva YorkTaller con Ricard Gili. II Curso.Parte III


Los Sirex

Desde muy temprano, el jazz se introdujo también en Nueva York,a través de los pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie . El estilo de Nueva York, con el impulso que supuso a las big bands, fue la corriente principal de desarrollo del jazz a finales de la década de 1920, desembocando en el swing.

Brokeback Mountain una historia de amor. Su banda sonora

Mi elección para este día del amor… Brokeback Mountain

UN AMOR DIFERENTE

Hasta en una frase bíblica nos dicen "porque no eres frío ni caliente sino tibio te vomitaré de mi boca "o la diseñadora Coco Chanel" decía: "para ser irreemplazable uno debe de ser diferente"....o el filósofo y escritor Ralph Waldo Emerson:"No vayas paso allá dónde el sendero puede llevarte, ve, de forma distinta, dónde no hay senda y deja una huella"....o el arqueólogo Anselm Feuerbach nos dijo: "La mediocridad pesa siempre bien, pero su balanza es falsa" o el historiador Marc Fumaroli: "El sistema cultural tiende de manera irresistible a crear conformismo de masas"... o el escritor y filósofo Miguel de Unamuno, nos decía: "Hay gente tan llena de sentido común, que no les queda ni el más pequeño rincón para el sentido propio".

Brokeback Mountain es un film estrenado en el año 2005, titulado en España “En terreno vedado”, del director Ang Lee. Un guión basado en el relato breve de Annie Proulx ganador del premio Pulitzer.

Una historia de amor de dimensiones cósmicas, que la sociedad rechaza y la sociedad destruye, la de dos jóvenes que se conocen y se enamoran durante el verano de 1963 mientras trabajan en el pastoreo de ovejas en Brokeback Mountain (un lugar ficticio), en Wyoming, Estados Unidos.
Narra la historia de sus vidas y su continua, aunque compleja relación, durante dos décadas, mientras ambos se casan con sus novias y tienen hijos.

En Estados Unidos tuvo encarnecidas criticas en ciertos sectores conservadores, incluida la iglesia católica y con fundamentalistas cristianos,pero cosechó muchos éxitos y premios.
La banda sonora a cargo del argentino Gustavo Santolalla con diversas colaboraciones.


Musica original de la pelicula:

.- Opening
.- He Was A Friend Of Mine
.- Brokeback Mountain 1
.- A Love That Will Never Grow Old
.- King Of The Road
.- Snow
.- The Devil's Right Hand
.- No One's Gonna Love You Like Me
.- Brokeback Mountain 2
.- I Don't Want To Say Goodbye
.- I Will Never Let You Go
.- Riding Horses
.- An Angel Went Up In Flames
.- It's So Easy
.- Brokeback Mountain 3
.- The Maker Makes
.- The Wings

Ocho años después se ha estrenado en el Teatro Real la ópera en dos actos con Música de Charles Wuorinen y Libreto de Annie Proulx, basado en su novela homónima.



Guinea Ecuatorial donde nací. Parte I


TV3 estrena hoy, un documental sobre una de las últimas colonias españolas en el continente africano, Guinea Española.
A través de las imágenes registradas por las cámaras de súper 8 que se popularizaron entre los habitantes de la ex colonia.
En enero de 1964, hace 50 años, entraba en vigor en España la primera y singular autonomía después de la Guerra Civil . El régimen autónomo otorgado por la dictadura del general Franco no era para ninguna de las nacionalidades que ya la habían tenido durante la Segunda República y que lo habían estado reclamando históricamente, sino para una de las últimas colonias españolas en África, la Guinea Española .
El " 30 minutos "de este domingo recupera la voz de algunos de los catalanes que vivieron en la ex colonia y muchas de las imágenes que grabaron con las cámaras de Super-8 que se empezaron a popularizar la época. Algunas de ellas son documentos históricos de un valor excepcional , por la escasez de fuentes documentales de todo tipo de aquel periodo. El documental se centra en el papel que jugaron los catalanes en la ex colonia española .
De hecho, esta vinculación comienza en la segunda mitad del siglo XIX, cuando unos cuantos aventureros a un territorio africano prácticamente olvidado por la administración española . A principios del siglo XX, estos "emprendedores" han establecido sus negocios de café, cacao y madera aprovechando las ventajas del régimen colonial y la presión evangelizadora de los misioneros claretianos de Vic , la mayoría también catalanes. Antes de la guerra española, Barcelona es el principal puerto de ida y vuelta de mercancías y pasaje a la Guinea Española y, en palabras del historiador Jordi Sant, se convierte en la metrópoli colonial . Esta vinculación hará que muchos guineanos vengan a Barcelona a estudiar ya vivir largas temporadas .
Es en esta época que empresas catalanas como Frapejo, Villa y Morante, SUMCO, Blasco SA y muchas otras comienzan a crear un imperio económico que se alargará hasta prácticamente 1969, año en que la dictadura de Francisco Macías expulsa todos los españoles.

El documental analiza el período final de la colonia, a través de la memoria de colonos, guineanos autóctonos y algunos de los pocos protagonistas que quedan de aquella época, como el político Adolfo Obiang Biko , uno de los fundadores del MONALIGE, principal partido independentista guineano, o el comandante de la Guardia Civil Luis Báguena .

También cuenta con la colaboración de los pocos investigadores que han estudiado la época colonial, como el historiador y antropólogo Gustau Nerín y la doctora en Ciencias Políticas de la Universidad Autónoma de Madrid Alicia Campos .
Desgraciadamente, ni el político madrileño Miguel Herrero , uno de los redactores de la Constitución guineana de 1968, ni el primer embajador español Juan Durán Loriga , han querido intervenir en el rodaje.
Para la elaboración del programa se ha hecho un extensivo proceso de investigación documental de las pocas imágenes que han llegado hasta la actualidad.
Por eso son tan importantes las filmaciones familiares grabadas con las cámaras de Super-8. Gracias a la colaboración de los antiguos residentes en Guinea han podido recuperar imágenes inéditas, no sólo de la vida cotidiana en la colonia, sino de mítines políticos de algunos de los principales líderes guineanos, inauguraciones de obra pública, desfiles militares y de la fiesta del día de la independencia, el 12 de octubre de 1968.

Un reportaje de: Antonio de Armengol y Lluís Jené Producción: Silvia Pairó Montaje: Genís Viegas Documentación: Miracle Tous

Los catalanes en Guinea (previo) y ver el Reportaje completo aquí

Aprovecho para dejar enlaces de interés de Guinea Ecuatorial.


CONTINUARÁ

Rusalka de Antonín Dvořák


"Rusalka es una ópera maravillosa, de una inspiración melódica abrumadora y de una riqueza e intensidad orquestal de clara influencia wagneriana. El tratamiento vocal requiere de cinco excelentes cantantes y si la producción es bastante estimulante seguro tenemos garantizada una velada operística de primera magnitud..."(In fer land)

Una rusalka es una duendecilla de la mitología eslava, que normalmente habita en un lago o en un río. Rusalka es una antiquísima figura de los cuentos de hadas. Aparece en la literatura europea ya en el año 1387, en los poemas del trovador francés Jean d'Arras, en poemas posteriores la encontramos como sirena, ondina o melusina.

Os dedico para esta mañana de domingo:
Himno a la luna (Mesicku na nebi hlubokém) con Renée Renée Ian Fleming



La diversidad. Canciones emblema gai

La diversidad es lo que nos hace grandes y así no vamos a ningún lado:

"Polémicas declaraciones del abanderado Javier Fernández, quien ha recomendado a los homosexuales "que se corten". En Twitter hemos leído el siguiente comentario "Javier Fernández, eres indigno de llevar la bandera de España en la inauguración de los Juegos de Sochi", lo ha escrito Francisco Polo, director de Change.org España".

Callar es lo que hace más daño. Y necesitamos siempre el humor...toma:

No te pierdas esta selección de canciones emblemáticas gai




La era del jazz. Taller con Ricard Gili. II Curso.Parte II

Continuación de  "La edad de oro del jazz. Taller con Rivard Gili. Curso II. Parte I"


REPASO DE NOMENCLATURAS:
Coda .- Añadido más o menos largo que se toca como final de una interpretación
Stop chorus.- Un solo que se ejecuta sin el acompañamiento  regular de la sección rítmica, solo con puntuaciones aisladas.
Woody Allen en su película Manhattan describe por lo que vale la pena vivir.Ver secuencia completa 
Cita varias cosas como Groucho Max, Jimmy Connors, el 2º movimiento de la Sinfonía Jupiter y entre ellas está el Stop Chorus de Louis Armstrong  en  Potato Head Blues
StopTime.-Un solo que se ejecuta sin el acompañamiento regular en una parte de la estrofa
Sonido wa wa.- Es el sonido con sordina.

CIERRE DE STORVYLLE
 Una visita al distrito:



En 1917, en plena Primera Guerra Mundial, las autoridades federales ordenaron el cierre del barrio, a pesar de la oposición del gobierno local. Poco después se procedió a su demolición, sustituyéndolo por un proyecto urbanístico denominado Iberville. Ello supuso, naturalmente, el cierre de la mayor parte de los establecimientos y la desaparición del trabajo para un gran número de músicos. Precisamente en esta época, se produce la gran emigración de músicos afro-estadounidense de jazz hacia el Norte en Chicago, Kansas City y Nueva York, lo que produjo cambios importantes en el desarrollo del jazz tradicional. Esto es Era la Era del jazz
Sobre todo Chicago se convierte en el gran centro de grabación del Jazz con la expansión de la radio y el gramófono, se graban los primeros discos.
En estas ciudades proliferan los locales nocturnos en los que trabajaran los músicos de la época con una poderosa presencia en escena  de blues y ragtime.
Estos locales Speakeasies, eran establecimientos, en barrios humildes (Southside) en dónde de manera ilegal se servia alcohol. Era el periodo histórico de la prohibición o Ley seca.
Se desarrolló el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas, dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus)
Blues y canciones de influencia europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la explosión del llamado "blues clásico".
El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos,y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, al comenzar a asentarse el saxofón.
DEL BLUES RURAL...


AL BLUES URBANO



LES HOUSES RENT PARTIES

Les houses rent parties o las fiestas en casa, de alquiler. Después de la jornada de trabajo los negros acudían a fiestas en pisos. Los dueños de estas casas, también negros, cobraban una entrada que servía para pagar el alquiler y costear la propia fiesta.
Eran reuniones en donde se contrataban a un músico o banda para tocar. Originario de Harlem durante la década de 1920.
Tuvo un papel importante en el desarrollo del jazz y de la música blues.Sonaba blues, pero un tipo de blues diferente al que se podía escuchar en las plantaciones de Mississippi.Blues de ciudad más endurecido. Antes de la fiesta se anunciaban por el vecindario los músicos que iban a tocar. En ellas nació el boogie-woogie, un estilo pianístico, evolución del blues, que se caracteriza por una figura de 8 notas por compás, en tiempo medio-rapido  que se realiza con la mano izquierda.

BOOGIE WOOGIE  Un estilo de piano




LAS MUJERES DEL BLUES
Con numerosas mujeres interpretes. Solían cantar con el acompañamiento de sus bandas, en las cuales incluían instrumentos musicales como el piano, varias trompas y tambores. Fueron pioneras en la industria discográfica al ser las primeras voces negras femeninas que realizaban grabaciones. Co la discografica Columbia.
Entre ellas Ma Rainey, Alberta Hunter,  Mamie Smith,Victoria Spivey, Berta Chippie Hill, Ida Cox, Bessie Smith .
Bessie Smith La emperatriz del blues

LOS MUSICOS DE NUEVA ORLEANS A CHICAGO

  • La más importante banda de Nueva Orleans tocada en Chicago la dirigía King Oliver, era la Creole Jazz Band. Junto al trompetista Armstrong, el clarinetista Dodds, la pianista Lil Hardin (mujer de L Armstrong) el bajista Bill Johnson y el batería Baby Dodds.
King Oliver's Creole Jazz Band



  • Jerry Roll & His Red Hot Peppers fue una banda musical que no actuaba en público sino en los estudios de grabación. Se rodeó de los mejores del momento como el cornetista George Mitchell , el trombonista Kid Ory , clarinetistas como Omer Simeón y Johnny Dodds , al banjo Johnny St. Cyr y Bud de Scott, como contrabajista John Lindsay y percusión Andrew Hilaire y Bebé Dodds.

Jerry Roll & His Red Hot Peppers